Déjeuner sur l’herbe 1863 : guide d’identification et sens

La requête « déjeuner sur l'herbe 1863 » pointe vers un seul et même tableau : la grande huile sur toile d'Édouard Manet, aujourd'hui conservée au musée d'Orsay à Paris, et qui mesurait à l'origine environ 207 × 265 cm. En 1863, il ne s'appelait pas encore « Le Déjeuner sur l'herbe » mais « Le Bain », titre sous lequel il fut présenté au Salon des Refusés le 15 mai de cette année-là. C'est cette œuvre, ce titre, cette date et ce scandale que vous cherchez.

Identifier l'œuvre : Manet, l'année 1863 et « Le Déjeuner sur l'herbe »

Édouard Manet peint la toile au début des années 1860 et la soumet au Salon officiel de 1863. Certains s'intéressent aussi au tableau de Guillaume Durand, qui a remis ce thème au goût du jour en France déjeuner sur l'herbe. Le jury la refuse. Napoléon III, alerté par le nombre inhabituellement élevé d'œuvres refusées cette année-là, décide d'organiser une exposition parallèle, le fameux Salon des Refusés, où le public peut juger lui-même. C'est là que « Le Bain » de Manet est accroché, et c'est là qu'il devient une attraction, dans tous les sens du terme : on vient le voir pour s'en moquer, pour s'en scandaliser, pour en débattre.

Le titre « Le Déjeuner sur l'herbe » s'est imposé progressivement, après coup, et c'est celui que les musées et les historiens de l'art ont retenu. Manet lui-même avait une autre expression pour désigner la scène : il la surnommait en privé « la partie carrée », ce qui en dit long sur son regard à la fois distancié et malicieux sur son propre travail. Retenez donc ces trois noms pour la même œuvre : Le Bain (titre d'exposition en 1863), La Partie carrée (surnom de l'auteur), Le Déjeuner sur l'herbe (titre définitif). Sur Histoire par l'image, on explique aussi que l’œuvre est d’abord connue sous le titre « Le Bain » au Salon des Refusés avant que « Le Déjeuner sur l’herbe » ne s’impose avec le temps Le Bain (titre d'exposition en 1863).

Ce que raconte la scène : herbe, plein air et modernité

La composition est à la fois simple et déstabilisante. Au premier plan, deux hommes habillés à la mode du Second Empire, redingotes, chapeaux, cravates, sont assis sur l'herbe avec une femme nue. À leurs côtés, un panier de fruits renversé, des vêtements éparpillés. En arrière-plan, une seconde femme, vêtue d'une chemise blanche, se baigne dans un ruisseau peu profond. La forêt, dense et verte, ferme la scène.

L'herbe ici n'est pas un simple décor. Elle est le cadre d'une revendication : celle de la scène de plein air, du pique-nique contemporain, de la nature accessible et bourgeoise. Manet s'appuie sur une longue tradition du motif pastoral, le Concert champêtre de Titien (ou Giorgione selon les attributions de l'époque), conservé au Louvre, lui sert de référence explicite pour l'association de figures humaines et de verdure. Mais là où la Renaissance transformait la nature en allégorie idéalisée, Manet la rend prosaïquement actuelle : ses personnages sont des contemporains, pas des dieux ni des nymphes.

Ce basculement entre nature idéalisée et nature vécue, c'est précisément ce que l'herbe signale dans la peinture française de cette période. Elle cesse d'être un fond symbolique pour devenir un espace de vie moderne, un lieu de loisir, une invitation à observer le présent plutôt qu'à contempler le mythe. C'est dans ce sillon que s'inscriront bientôt Monet, Renoir et les impressionnistes.

Pourquoi ça a choqué : contexte artistique et réception au Salon des Refusés

Le scandale de 1863 ne tient pas au nu en lui-même. Le Salon officiel acceptait régulièrement des nus féminins, à condition qu'ils soient justifiés par la mythologie ou l'allégorie : une Vénus, une nymphe, une déesse, on sait que c'est fictif, on peut regarder sans malaise moral. Ce que Manet fait, et que les visiteurs du Salon des Refusés perçoivent immédiatement, c'est de montrer une femme nue dans un contexte résolument contemporain, assise sur l'herbe à côté d'hommes habillés comme monsieur tout le monde. Le tabou n'est pas la nudité, c'est la vraisemblance sociale de la scène.

La critique s'est déchaînée et le public a ri, ce qui est souvent plus cruel que la colère. L'œuvre a attiré sarcasmes et opprobre. On reprochait aussi à Manet ses choix picturaux : les contrastes d'ombre et de lumière jugés trop brutaux, une profondeur de champ peu conventionnelle, les figures qui semblent « plaquées » sur un fond végétal plutôt qu'intégrées naturellement dans l'espace. Ce que les académiciens lisaient comme une maladresse technique était en réalité une rupture délibérée avec l'illusion de profondeur que la peinture d'histoire cultivait depuis la Renaissance.

1863 est donc une date charnière dans l'histoire de l'art français : le moment où le Salon officiel cesse d'être le seul arbitre du goût, et où une exposition parallèle, involontairement, par décision impériale, crée un espace pour la peinture moderne. Le Salon des Refusés ne dure qu'une saison, mais il laisse une empreinte durable dans les débats qui mèneront à l'impressionnisme une décennie plus tard.

Lecture iconographique guidée : comment regarder l'herbe et la composition

Quand vous vous retrouvez face au tableau, résistez à la tentation de regarder d'abord la femme nue. Commencez par l'herbe et le fond. La végétation forme une sorte de rideau vert qui aplatit l'espace : il n'y a pas de ciel, pas d'horizon lointain, pas de perspective en fuite. Manet enferme la scène dans la verdure comme dans une alcôve. C'est cet aplatissement qui donne à la composition son étrangeté, sa tension entre profondeur simulée et surface revendiquée.

Pour la composition du groupe central, Manet s'est appuyé sur une source connue et identifiée : une gravure de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël (Le Jugement de Pâris). Le geste du bras de l'homme de droite, la posture des figures, tout cela vient de là. Ce n'est pas du plagiat, c'est une citation, et une citation très consciente. Manet revendique l'héritage des maîtres anciens pour mieux le déplacer vers la modernité.

Regardez ensuite le regard de la femme nue : elle fixe le spectateur, directement, sans pudeur ni invitation. Ce regard frontal, qui brise la quatrième paroi, est l'un des éléments les plus dérangeants de la scène. Elle ne pose pas pour les hommes qui l'entourent, elle pose pour vous. C'est ce même regard que Manet répètera deux ans plus tard dans Olympia (1865), avec des conséquences similaires.

Deux lectures s'organisent naturellement devant ce tableau : d'abord la citation de l'Ancien (pastoral, gravure renaissante, Concert champêtre) qui donne à la scène une dignité culturelle revendiquée ; ensuite la rupture de l'Actuel (vêtements contemporains, regard direct, herbe banale plutôt qu'Arcadie mythique) qui transforme cette dignité en provocation. Si vous cherchez une autre piste pour comprendre l'esprit de cette scène, jetez aussi un œil au texte déjeuner sur l herbe 7ème, qui prolonge l'analyse par une lecture plus « moderne » du motif. L'herbe est le pivot entre ces deux lectures.

Où voir le tableau et comment préparer une visite en France

Le Déjeuner sur l'herbe de Manet est conservé et exposé en permanence au musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, Paris 7e. C'est la destination principale si vous voulez vous confronter à l'original. Le musée est accessible par le RER C (station Musée d'Orsay) ou le métro ligne 12 (station Solférino). Prévoyez au moins deux heures pour le contexte : les salles consacrées aux années 1860-1880 permettent de situer Manet parmi ses contemporains, de voir comment la peinture officielle cohabitait (mal) avec ces nouvelles tendances.

Pour enrichir la visite, un passage au musée du Louvre s'impose : c'est là que vous pouvez voir Le Concert champêtre de Titien, la source pastorale directe que Manet avait en tête. Confronter les deux œuvres en une même journée, ou en deux visites rapprochées, est l'un des exercices les plus instructifs que l'on puisse faire sur la continuité et la rupture dans l'art français. Du Louvre à Orsay, on parcourt quatre siècles de rapport à la nature et à la figure humaine.

Si votre curiosité dépasse le tableau pour s'étendre à l'iconographie de l'herbe dans l'art et dans les paysages français, il existe d'autres espaces à explorer. Si vous cherchez une carte ou des options de parcours, pensez aussi aux pistes dédiées au déjeuner sur l'herbe dans les expositions et lieux culturels de France. Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, en Normandie, et le village de l'Herbe à Cap Ferret constituent deux lieux dont les noms résonnent avec cette thématique végétale et pastorale si présente dans l'imaginaire artistique français. Ce sont des pistes d'exploration géographique et culturelle, des endroits où la verdure et le rapport à la nature entrent en dialogue avec les récits visuels que la peinture française a construits depuis le XIXe siècle.

Mises en perspective : liens avec l'impressionnisme et l'art moderne

Manet n'est pas à proprement parler un impressionniste, mais il en est le déclencheur. Deux ans après l'exposition du Bain au Salon des Refusés, Claude Monet peint sa propre version du Déjeuner sur l'herbe (1865-1866), aujourd'hui au musée d'Orsay et au musée Pouchkine à Moscou pour le fragment central. Ce tableau de Monet est une réponse directe à Manet : même titre, même motif de plein air, mais une ambition différente, celle de saisir la lumière naturelle et les effets de végétation avec une touche plus libre. Comparer les deux œuvres, c'est comprendre comment un scandale féconde une génération entière.

Renoir, Pissarro, Bazille, tous travaillent la scène de plein air dans ces mêmes années, tous cherchent à faire de l'herbe et de la lumière tamisée sous les arbres un sujet pictural à part entière, pas un simple décor. Ce que Manet avait ouvert comme brèche (la nature contemporaine, banale, vécue), l'impressionnisme va en faire un programme.

Dans une perspective encore plus large, le motif du déjeuner sur l'herbe traverse tout l'art moderne français. Picasso l'a repris dans une série de variations dans les années 1960, dialoguant directement avec Manet. Cézanne, lui, a transformé la scène de plein air en structure géométrique, posant les bases du cubisme. L'herbe comme espace de rencontre entre figures humaines et nature n'a jamais cessé d'alimenter l'imagination des peintres français depuis 1863.

Pour aller plus loin, plusieurs pistes concrètes s'offrent à vous : consulter la notice complète du musée d'Orsay en ligne (elle est détaillée et accessible), explorer la fiche de l'œuvre sur le site Histoire par l'image qui propose une analyse guidée très utile, et vous intéresser à la composition du tableau, comment Manet organise l'espace, les plans, les regards, qui fait l'objet d'analyses spécifiques que vous pouvez approfondir en parallèle. La question de l'année 1876 et d'une autre version du motif pastoral constitue également un prolongement fascinant de cette histoire visuelle. Si vous vous demandez à quoi correspond cette année 1876 et comment le motif évolue, le « déjeuner sur l'herbe 1876 » ouvre une piste passionnante pour prolonger votre lecture de Manet.